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Diana, una amante de la moda que cambió los códigos reales

La princesa Diana de Gales sigue siendo, 20 años después de su muerte, un símbolo del buen vestir que revolucionó los códigos indumentarios de la familia real con la ayuda de grandes diseñadores. "Aprendió rápidamente a usar la moda como instrumento" para "transmitir mensajes y promover causas", explicó a la AFP Libby Thompson, comisaria de la exposición "Diana: Her Fashion Story", que puede verse en la que fue su residencia, el palacio londinense de Kensington.

Apodada "la tímida Di" antes de su boda con el príncipe Carlos, heredero del trono, en 1981, Diana salió de su caparazón al cobrar conciencia de que la ropa tenía un gran poder comunicativo. "La princesa aprendió a conseguir que su vestuario dijera lo que ella no podía decir, y colaboró estrechamente con diseñadoras como Catherine Walker para cuidar su personalidad a través de la ropa", estimó Sophie Goodwin, directora de moda de la revista Tatler, en declaraciones al diario The New York Times.

Diana dominaba el arte de llevar el vestido correcto en cada ocasión. Al visitar hospitales, vestía con colores luminosos para parecer cálida y accesible y en sus visitas al extranjero usaba prendas inspiradas en los colores nacionales, como el vestido blanco con topos rojos que lució en Japón en 1986.

Eligió no llevar guantes, como hacía y sigue haciendo su suegra, la reina Isabel II, "porque le gustaba entablar contacto con la gente", explicó Lynn. Las fotos de la princesa estrechando la mano a unos enfermos de sida en 1987 ayudaron a acabar con ciertos mitos que rodeaban a la enfermedad, como el del contagio por el mínimo contacto.

La mujer más fotografiada de su tiempo entendió las reglas del vestir de la realeza, pero no temía forzar sus límites. Así, usó vestidos negros de noche -un color que la Casa Real reserva para los momentos de duelo- y fue la primera en llevar pantalones en un acto vespertino.

Atrevimiento

Diana ayudó además a modernizar el vestuario de la realeza, con vestidos que causaron una honda impresión, como el de terciopelo azul que usó en una cena en la Casa Blanca en 1985.

Con este vestido, Diana bailó con el actor estadounidense John Travolta la canción "You Should Be Dancing", de la película "Saturday Night Fever", que él protagonizó. Apodado "el vestido Travolta", tiene su propia página en Wikipedia y fue vendido por 240.000 libras (318.000 dólares, 268.000 euros) en una subasta en 2013.

Diana, una amante de la moda que cambió los códigos reales

Después de divorciarse del príncipe Carlos en 1996, Diana volvió a cambiar de estilo, renunciando a los diseñadores británicos a los que había dado la prioridad en favor de casas de moda internacionales como Dior, Lacroix o Chanel, y empezó a usar vestidos más atrevidos, más escotados y por encima de la rodilla. "Durante muchos años, la princesa de Gales fue la gran y única obsesión del mundo de la moda y la adalid del glamour como lo conocemos", escribió Sarah Mower en el diario Daily Mail.

Su estilo fue muy imitado y todavía inspira a los diseñadores. Así, la marca ASOS lanzó en 2016 una colección basada en su estilo informal. En la era de las redes sociales, la princesa sigue vigente, y la cuenta Princess Diana Forever de Instagram, que tiene 160.000 seguidores, publica diariamente una foto suya con diferentes modelos, dándola a conocer a las nuevas generaciones. (AFP)

Fotos: Marcela Gutierrez / Notimex / AFP and Jacques Demarthon, Torsten Balckwood, Diego Zapata / AFP

La serie "The Assassination of Gianni Versace: American Crime Story" sobre la muerte del célebre diseñador de modas italiano, con Penélope Cruz y Ricky Martin, quiere mostrar "la homofobia de la época", explicó su productor, Ryan Murphy.

Gianni Versace, interpretado por el sex symbol venezolano Edgar Ramírez ("La chica del tren", "Carlos", entre otras) había levantado un imperio de lujo. Fue asesinado en las escaleras de su exuberante residencia en Miami Beach en julio de 1997 a los 50 años de edad por Andrew Cunanan, por motivos que siguen siendo un misterio.

Cunanan se cobró la vida de al menos cinco personas, una detrás de otra, y se suicidó unos días después de asesinar al carismático diseñador. "Andrew Cunanan fue capaz de cruzar el país y elegir a sus víctimas, la mayoría homosexuales" sin que nada interfiriera en su plan "debido a la homofobia de la época", asegura el productor de la miniserie "American Crime Story", cuya primera temporada, que reconstruyó el juicio de O.J. Simpson, fue aclamada por la crítica y recibió numerosos premios.

Versace "había dado una entrevista con su pareja y por eso fue abatido" por el asesino en serie, dijo el coproductor, Brad Simpson, durante una conferencia de la cadena FX en el marco del seminario de la Asociación de Críticos de Televisión (TCA, siglas en inglés). El novio de Versace es interpretado en la serie por la estrella pop Ricky Martin, en tanto Penélope Cruz encarna a la hermana del diseñador.

"Gianni era muy compulsivo en su trabajo, casi obsesivo, pero era todo lo contrario en su vida. Comía una banana y lanzaba la cáscara al suelo, se daba una ducha y dejaba la toalla tirada", y Antonio D'Amico, su compañero, siempre estaba allí para cuidar de él, recuerda Ricky Martin. Su historia de amor "me toca de manera muy personal, estoy muy feliz de haber podido vivir esto", dijo el cantante puertorriqueño, también homosexual, visiblemente emocionado.

Este "docudrama" que emitirá FX el próximo año es una adaptación de un libro escrito por la periodista Maureen Orth, que afirma que Versace era VIH positivo. Ryan Murphy recuerda que "en aquella época podías perderlo todo si eras VIH positivo". Buena parte de la serie fue rodada en la lujosa mansión del diseñador sobre la costa de Miami.

Otra parte de la grabación está todavía llevándose a cabo en el estudio de Fox en Los Ángeles, donde la mansión ha sido minuciosamente recreada, incluyendo las extravagantes pinturas de inspiración grecorromana. La serie de televisión ha recreado también los desfiles de moda con cientos de extras.

La tercera temporada de American Crime Story abordará el huracán Katrina y la lenta respuesta de las autoridades de Estados Unidos ante la catástrofe. (AFP)

Los 10 mejores fotógrafos de moda que debería conocer

Profesionales o adictos a la moda, seguramente conocéis los grandes nombres que coronan las campañas publicitarias y series de moda de las revistas más famosas. Patrick Demarchelier, Mario Testino, Guy Bourdin, Helmut Newton, Annie Leibovitz, Peter Lindbergh, Bruce Weber o Steven Meisel, todos han revelado la belleza de sus modelos y las marcas que representaban. Inmortalizar el instante, escribir la historia de las firmas con la imagen cargada de emociones, de deseo y a veces de paradojas es la misión de estos artistas.

He aquí una nueva lista, no exhaustiva y puramente subjetiva, de los 10 mejores fotógrafos de moda contemporáneos que debería conocer.

1) Terry Richardson

Los 10 mejores fotógrafos de moda que debería conocer

Terrence, alias « Terry » Richardson nació en el 1965 en Nueva York. Después de haber formado parte de una banda de rock-punk durante cuatro años, decidió probar suerte en el sector de la fotografía de moda. Su primer trabajo fue para la diseñadora de moda londoniense, Katharine Hamnet. Más tarde, ofrecía su talento a Marc Jacobs , Aldo , Supreme , Sisley , Yves Saint Laurent y Tom Ford , entre otros. A lo largo de su carrera, Terry Richardson ha fotografiado varias campañas para las revistas Rolling Stone, GQ, Vogue, Vanity Fair, Harper’s Bazar, i.D y Vice. También ha realizado una serie de retratos privados para el magnate italiano Renzo Rosso y es conocido por su temática “sexual” en situaciones mundanas y por haber retratado a famosos y políticos.

2) Juergen Teller

Los 10 mejores fotógrafos de moda que debería conocer

Juergen Teller nació en Alemania en 1964. Es el responsable de algunas de las más famosas campañas publicitarias de los últimos años. Desde 1998, realiza campañas para Marc Jacobs con un estilo muy suyo en un universo único que realza las carnes exhibidas, las arrugas, cicatrices y juega con una luz bruta, sin tratamiento y lejos de los clichés de las bellezas retocadas con el Photoshop. Muy imitado en la actualidad, lo consideran en la profesión como “el que ha desmontado la moda”, o al menos su burbuja idealizada…

3) David Sims

Los 10 mejores fotógrafos de moda que debería conocer

Ha empezado como asistente fotógrafo para Robert Erdmann y Normal Watson. Consagrado “Joven Fotógrafo del Año” en el Festival de Moda y de Fotografía de Hyères (Francia) en 1994, recibió el Premio al Mejor Fotógrafo un año más tarde. Colabora regularmente con Vogue París, Italia, USA, UK, W y con marcas como Zara, Alexander McQueen, Balenciaga, Marc Jacobs o Stella McCartney. Es partidario del movimiento, la elegancia y la discreción.

4) Ellen Van Unwerth

Los 10 mejores fotógrafos de moda que debería conocer

Esta ex modelo ha dejado las pasarelas para pasar detrás del objetivo y hacer sus propias series de moda para el grupo Condé Nast, entre otros. Ha fotografiado The Great Pain para Vogue US en 1993 que transforma por completo a la ex top model de los 80, Christy Turlington y ese trabajo la hace muy mediática en todo el mundo. Le gusta multiplicar los tratamientos y las técnicas como los encuadres estrechos, los colores vivos o el ruido visible en sus fotos. Es una de las fotógrafas más solicitadas del momento.

5) Steven Klein

Los 10 mejores fotógrafos de moda que debería conocer

Con 52 años, este fotógrafo americano es uno de más icónicos de nuestra época. Estudiante en pintura, más joven estaba fascinado por el estilo de Picasso y Bacon. Su trabajo se caracteriza por las poses sugestivas y expresiones marcadas de sus modelos. Colabora con i.D, Numero o W, entre otros. En 1985, ha fotografiado la campaña de Dior, más tarde Eva Mendes posaba delante de su cámara para Calvin Klein, y Madonna para Dolce & Gabbana. En 2010, Lady Gaga le pidió que hiciera su videoclip “Alejandro” y más recientemente, en 2012, el lanzamiento de su perfume “Fame”.

6) Inez & Vinoodh

Los 10 mejores fotógrafos de moda que debería conocer

Inez Van Lamsweerd y Vinoodh Matadin. Un duo “maximalista” de Holanda que trabaja juntos desde los años 90, algo poco común en el mundo de la moda. Su trabajo, que combina el arte digital y la fotografía de moda, es muy solicitado por las revistas y las casas de moda como Balmain, Louis Vuitton o Saint-Laurent. Con audacia, Inez&Vinoodh ponen en escena a las tops mezclando elegancia con extremo, lo bello con los extraño y lo clásico con lo contemporáneo.

7) David Lachapelle

Los 10 mejores fotógrafos de moda que debería conocer

David Lachapelle es conocido mundialmente por su talento excepcional de saber combinar una estética hiperrealista con profundos mensajes sociales. Empezó su carrera en los años 80, dónde exponía sus trabajos en las galerías de arte de Nueva York. Descubierto por Andy Warhol, obtenía su primer trabajo de fotógrafo en la revista Interview. Años más tare, su talento alimentaba las páginas de Vogue Francia e Italia, Vanity Fair, GQ, Rolling Stone y i.D. Los famosos más internacionales como David Beckham, Madonna, Beyoncé, Katy Perry, Lady Gaga, Kanye West o Angelina Jolie han posado para él. Varios grandes museos del mundo han expuesto sus obras: desde Mexico, pasando por Israel, Corea del Sur o Taïwan… Actualmente expone sus fotografías en el Museo de las Artes Decorativas de París en la exposición “Christian Dior: Couturier du Rêve” (del 5 de julio 2017 al 7 de enero 2018). Ha trabajado para Diesel Jeans, L’Oréal o Tod’s.

8) Mert & Marcus

Los 10 mejores fotógrafos de moda que debería conocer

Mert Alas (turco) y Marcus Piggot (galés) se conocieron en Londres y trabajan juntos (además de ser pareja) desde el 1999. Se han abierto las puertas del mundo de la moda fotografiando a Beyoncé para Louis Vuitton en 2003, permitiéndoles multiplicar los contratos con las casas de lujo. Su estética pone el énfasis en los colores saturados y el hiperrealismo. Entre sus clientes, cuentan con Versace, Miu Miu, Gucci y publican a menudo sus fotos en Numero o Dazed & Confuzed.

9) John Rankin Wadell

Los 10 mejores fotógrafos de moda que debería conocer

Este fotógrafo británico, que llaman Rankin, es el cofundador de la revista Dazed&Confused lanzada con Jefferson Hack en 1991. Nueve años más tarde, creó su propia cabecera, Rank. Es reconocido por sus trabajos de desnudos provocativos que han seducido a marcas como BMW, Calvin Klein o Citizen K.

10) Mario Sorrenti

Los 10 mejores fotógrafos de moda que debería conocer

Fotógrafo de moda italiano (nacido en 1971 en Nápoles) y afincado en Nueva York. Empezó a trabajar en los 80 con una campaña dedicada a Kate Moss para “Obsession” de Calvin Klein. Colaboró con Prada y Saint-Laurent gracias a su arte único de poder poner en escena la feminidad. Mango, Chloé, Armani y Pirelli les han seguido el paso confiando en su genio. Apasionado desde su temprana edad por la anatomía humana, sus imágenes han sido expuestas en varias grandes ciudades del mundo.

Fotos : Mario Sorrenti, Terry Richardson x Tom Ford Eyewear, Juergen Teller x Celine SS2017, David Sims x Miu Miu, Ellen Van Unwerth x Kate Moss, Steven Klein x Vogue US, Inez&Vinoodh x Christy Turlington, Rankin x Cindy Crawford, Mario Sorrenti x Balmain.

La feminidad natural e intemporal de Chloé, vista por Guy Bourdin

Chloé ha inaugurado su nuevo espacio durante la última haute-Couture Fashion Week de Paris, en el número 28 de la calle Baume en París, a escasos pasos de su sede situada en la avenida Percier. El conjunto de los archivos de este centro histórico, repartido en las cinco plantas que componen este edificio haussmaniano, se remonta al 1952, fecha de creación de la firma parisina.

Para celebrar su apertura, la nueva Maison Chloé organiza durante todo el verano, una exposición en homenaje al famoso fotógrafo de moda y publicista, Guy Bourdin.

La feminidad natural e intemporal de Chloé, vista por Guy Bourdin

Él que más ha fotografiado a Chloé

Del 4 de julio al 3 de septiembre, la exposición “Femeninities-Guy Bourdin” propone una colección de 100 fotografías a la vez sutiles, femeninas, provocativas e inocentes que caracterizan al artista fallecido hace 26 años. De los años 50 a 80, captaba mejor que nadie la esencia de la marca a través de su objetivo.

La exposición relata la historia del patrimonio de Chloé y sus famosos diseñadores. Entre las personas que han marcado su historia se encuentran las mujeres británicas Stella McCartney, Phoebe Philo, Hannah MacGibbon y Clare Waight Keller. Ésta última ha sido sustituida en el pasado mes de abril por la francesa Natasha Ramsay-Levi.

Judith Clark, responsable de la exposición, explica: « La mayoría de las fotos de Guy Bourdin son como imágenes fijas, fotogramas de películas de ciné que hacen sentir que el vestido ha sido utilizado como un pilar, un accesorio formando parte de la historia. Es el único en haber fotografiado tantos vestidos”.

« Es importante en un mundo digital que hayan momentos y lugares donde se puede tocar y sentir Chloé, experimentar su espíritu”, añade Geoffroy de la Bourdonnaye, CEO de Chloé. “Queríamos dar una casa a Chloé”.

La feminidad natural e intemporal de Chloé, vista por Guy Bourdin

La única intención de perturbar...

Transgresor en su época, Guy Bourdin (1928-1991) ponía ligereza y un toque de locura a la moda, como una complejidad a veces siniestra, con modelos que parecían haber sido electrocutadas o inertes como muñecas de cera. Exigente, maniaco e inconformista, para él, “los únicos retratos honestos son los de personas muertas o inconscientes”.

En el círculo de los maestros fotógrafos del siglo XX, solemos recordar a Helmut Newton, Irving Penn y Richard Avedon. Sin embargo, falta Guy Bourdin en la lista. ¿Quizás por su carácter endemoniado o el rechazo de su Premio Nacional de la Fotografía Francesa en 1985, y haber proclamado: “¡Yo no formo parte de este sindicato!”?

Amigo del fotógrafo Man Ray y del cineasta Lui Buñuel, presentaba una visión negra de la existencia y utilizaba su humor negro hasta en las páginas de Vogue durante más de 30 años.

Autodidacta, sus fotos se reconocen, a primera vista, por sus tonos híper saturados y sus composiciones inesperadas, sobre todo en las poses de sus modelos. Ne le gustaba ponerlas guapas, le gustaba perturbar la opinión, haciéndolas aparecer víctimas de accidentes, más allà de la estética y de la moraleja, con visiones indiscretas y fragmentarias.

Foto : Guy Bourdin © The Guy Bourdin Estate 2017- Chloé FW 1971- Chloé FW 1975- Vogue Paris 1979, Chloé SS 1979.

La diseñadora francesa Agnès b. abrirá el año que viene en París una fundación para exponer su colección de arte contemporáneo, informó el viernes su firma.

Amante del arte, galerista y mecenas, Agnès b. ha constituido una colección de unas 5.000 obras, entre fotografías, pinturas, esculturas, etc.

La diseñadora, de 75 años y cuyo verdadero nombre es Agnès Troublé, "desea que el público tenga acceso y pueda disfrutar" de su colección, según la firma de prêt-à-porter.

La fundación será instalada "en un barrio popular de París", según la marca, que no comunicó el lugar exacto a la espera de que finalicen las negociaciones.

Agnès b es distribuida en casi 300 tiendas y departamentos comerciales en el mundo, de los cuales 141 se hallan en Japón. Emplea a 2.000 personas. (AFP)

En Imágenes: La exposición de Hubert de Givenchy

El Museo de Encaje y Moda de Calais, Francia, ha abierto una retrospectiva sobre Hubert de Givenchy, curada por el mismo diseñador de moda de 90 años. La exposición contará con looks y siluetas legendarias usadas por Audrey Hepburn, la ex Primera Dama Jackie Kennedy y la Duquesa de Windsor, Wallis Simpson.

En Imágenes: La exposición de Hubert de Givenchy

La exposición forma parte del programa cultural 2017 del museo y cuenta con ochenta trajes y accesorios procedentes de coleccionistas privados, los archivos de la Casa de Givenchy y colecciones de museos, así como piezas Givenchy realizadas por el Museo de Moda.

En Imágenes: La exposición de Hubert de Givenchy

Todo en la exposición, que estará disponible para ver el 31 de diciembre, ha sido escogido y comisariado por el propio Givenchy, para mostrar toda la carrera del couturier y los "encuentros" que marcaron su vida y plasmaron sus diseños.

En Imágenes: La exposición de Hubert de Givenchy

Hay una parte de la exposición dedicada especialmente a las protagonistas principales que llevaron sus colecciones, incluyendo la actriz Audrey Hepburn, con una serie de vitrinas dedicadas a ella, mostrando los vestidos usados por la estrella en dos de sus papeles más grandes: ‘Breakfast at Tiffany’s y How to Steal a Million.

En Imágenes: La exposición de Hubert de Givenchy

Museo de Encaje y Moda inaugura la exposición Givenchy

También hay vestidos usados por sus otras famosas clientas en exhibición, incluyendo el vestido bordado de Jackie Kennedy y el abrigo de ópera usados para la primera visita presidencial de su marido a Francia y el traje de la Duquesa de Windsor usado para el funeral de su marido, así como las piezas usadas por la condesa Isabel de Bor, la Duquesa de Cadaval, y la Marquesa de Llanzol.

En Imágenes: La exposición de Hubert de Givenchy

Hablando en la apertura con The Guardian, el diseñador elogió a sus clientes, dijo: "Eran mis amigas. El vestido perfecto puede hacer que muchas cosas sucedan en la vida de una mujer. Puede traer felicidad. Es tan agradable dar la felicidad a tus amigos. "

En Imágenes: La exposición de Hubert de Givenchy

Otras piezas claves incluyen la blusa "Bettina" de su primera colección en febrero de 1952, con mangas puff y broderie anglaise, varios vestidos de baile con bordados de encaje, vestido y chaqueta de satén rojo y un traje de pantalón bordado.

En Imágenes: La exposición de Hubert de Givenchy

Los atuendos se exhiben junto a muestras de textiles de alta costura, el archivo de fragancias Givenchy, y fotografías, para dar una idea de la carrera de Givenchy y sus inspiraciones.

En Imágenes: La exposición de Hubert de Givenchy

El Museo del Encaje y de Moda se encuentra dentro de una fábrica de encajes del siglo XIX y exhibe couturiers y renombrados jóvenes diseñadores como Cristóbal Balenciaga, Anne Valérie Hash, Iris Van Herpen y On Aura Tout Vu dentro de sus galerías contemporáneas dedicadas al diseño en textiles y moda .

En Imágenes: La exposición de Hubert de Givenchy

La exposición Hubert de Givenchy se desarrolla en el Museo de Encaje y Moda de Calais hasta el 31 de diciembre de 2017.

En Imágenes: La exposición de Hubert de GivenchyEn Imágenes: La exposición de Hubert de GivenchyEn Imágenes: La exposición de Hubert de GivenchyEn Imágenes: La exposición de Hubert de GivenchyEn Imágenes: La exposición de Hubert de GivenchyEn Imágenes: La exposición de Hubert de GivenchyEn Imágenes: La exposición de Hubert de GivenchyEn Imágenes: La exposición de Hubert de Givenchy

Imágenes: Cortesía por el Museo de Encaje y Moda.

Traducido y editado por Gabriela Maldonado

YSL : próxima apertura de dos museos en su memoria

Homenaje a los que hacen Historia como fue el caso de Yves Saint-Laurent. Grandes historias en el capítulo de la Moda y del Arte, o pequeñas historias como el recuerdo de un breve encuentro en París en el 2001, cuando aún era estudiante. Había tenido las palabras y la amabilidad que sólo los seres extraordinarios podían tener.

Ya han pasado quince años desde el último desfile de Yves Saint-Laurent en el Centro Pompidou y el cierre de la casa de alta costura que llevaba su nombre. En estos últimos quince años, el recuerdo del costurero ha sido conservado y mantenido gracias a las actividades de la Fundación Pierre Bergé-Yves Saint Laurent.

Para salvar su patrimonio y promover su obra, dos museos le han sido dedicados en dos ciudades importantes para él. El primero abrirá el 3 de octubre en París y el segundo el 19 de octubre en Marrakech. Una presentación de sus proyectos tuvo lugar ayer en el Instituto Francés de la Moda (IFM).

YSL : próxima apertura de dos museos en su memoria

París y Marrakech, sus dos ciudades de inspiración

« Cuando Yves Saint Laurent descubrió por primera vez Marrakech en 1966, estaba tan emocionado por la ciudad que decidió comprar inmediatamente una casa para poder volver regularmente. Es muy natural después de 50 años, construir un museo dedicado a su obra, inspirada en este país. En París, no hace falta explicar que es allí donde Yves Saint Laurent ha creado todo su trabajo y a construido su carrera”, decía Pierre Bergé, la pareja y confidente del costurero.

YSL : próxima apertura de dos museos en su memoria

El Museo Yves Saint Laurent París abrirá sus puertas en el número 5 de la avenida Marceau, en el hotel particular donde la casa de moda se había instalado desde hace más de 30 años y acogió la Fundación Pierre Bergé-Yves Saint Laurent desde el 2004. El museo, que dispondrá de una superficie de exposición de 450 metros cuadrados, alternará espectáculos retrospectivos y exposiciones temáticas temporales. Más que un simple museo monográfico, la institución contará la historia de un periodo donde la alta costura formaba parte de un modo de vida que hoy ya no existe.

«La audacia observada en mi trabajo, se la debo a Marruecos»

Situado en la calle Yves Saint Laurent cerca del Jardín Majorelle, el Museo Yves Saint Laurent Marrakech ha sido concebido como un centro cultural. Con más de 4.000 metros cuadrados, el establecimiento incluye un espacio de exposición permanente, una galería de exposición temporal, una biblioteca, un auditórium, una librería y un café.

YSL : próxima apertura de dos museos en su memoria

« En Marruecos, me he dado cuenta que la gama de colores que utilizaba era la de los azulejos, los zouacs (madera pintada), djellabas y caftanes. La audacia observada en mi trabajo, la debo a este país, a sus armonías energéticas, a sus combinaciones audaces, al fervor de su creatividad. Esta cultura se ha vuelta mía, no solo la he absorbido, la he cogido, transformado y adaptado”, puntualizaba el maestro.

Desde hace más de 40 años, Yves Saint Laurent ha creado continuamente un estilo que era realmente el suyo. Sus prendas pertenecían a la historia del siglo 20, acompañando la emancipación de las mujeres en todos los dominios de la vida. El abrigo con topos, el esmoquin, el pantalón y la chaqueta forman parte del armario de cada mujer.

YSL : próxima apertura de dos museos en su memoria

« Yves Saint Laurent es también el último de los grandes costureros, nostálgico de un periodo marcado por el esplendor de la alta costura. Sus lujosos vestidos de noche muestran también su homenaje a la pintura, a la literatura, al teatro y a la moda. La apertura de estos dos museos dedicados a su trabajo dará una importancia particular a Yves Saint Laurent como uno de los grandes artistas de su época”, indica la Fundación Pierre Bergé-YSL.

“Siempre dije que los recuerdos debían ser transformados en proyectos y es lo que hicimos con esta Fundación. 2017 marca un nuevo capítulo con la apertura de estos dos museos. Así, la aventura que empezamos hace tanto tiempo atrás, cuando no sabíamos lo que nos reservaba el destino, sigue adelante”, comentó Bergé.

Fotos : cortesía de la Fundación Pierre Bergé-Yves Saint Laurent

“Terrific Fashion”, la historia detrás del libro

El libro, editado por 24 ORE Cultura muestra lo más sorprendente y vanguardista de la moda contemporánea. En la publicación la periodista y editora de moda y diseño Cristina Morozzi presenta una selección de fotografías con modelos de Alexander McQueen, Givenchy, Moschino y Dries Van Noten entre otros.

Durante una charla con FashionUnited, Morozzi contó cómo nació este libro que resultó tan exitoso por mostrar un enfoque diferente de la moda.

La primera idea sobre mostrar objetos extravagantes surgió mientras Morozzi trabajaba para la publicación “L´eurpeo”. El editor en Jefe le pidió que escribiera para una nueva sección a la que llamaron “Follie” y dónde la idea era publicar imágenes de objetos de diseño poco convencionales. Tiempo después empezó a trabajar para “Milano Finanza” donde tenía a cargo mostrar cosas alejadas de lo estándar, a doble página. “Por ese entonces, tenía curiosidad por descubrir cosas que fueran más allá de lo común y durante años me encargue de recolectar fotos sobre objetos raros”, comentó Morozzi.

24 ORE Cultura la convocó para editar sus libros y fue consultada para que hiciera sugerencias. “Recordé la gran cantidad de fotos sobre objetos que había recolectado en los últimos años. Así que les llevé un disco con mil fotos y quedaron impresionados”, contó. Así nació la idea del libro “Terrific Design”. Cuando se publicó, tuvo tanto éxito que le pidieron que hiciera la versión de moda con “Terrific Fashion”. “Eso me asustó un poco porque no tenía material y sólo seis meses para armar el libro, pero resultó ser un trabajo muy entretenido y a la gente le gustó mucho porque era algo diferente”, recordó.

Foto: www.museomaga.it

La Bauhaus, el « arte desestructurado » que sigue gustando a la moda

Una fusión entre las bellas artes y las artes aplicadas. Eso podría ser la vocación de la escuela de la Bauhaus –cuyos términos etimológicos Bauen, en alemán, significa “construir” y Haus “casa”-siguen inspirando a los artistas, grafistas, plásticos y diseñadores de moda.

Hace unos meses, el Museo de las Artes Decorativas de París, exponía en la calle de Rivoli “L’Esprit du Bauhaus” (el Espíritu Bauhaus) a través de más de 900 obras, objetos, muebles, dibujos, textiles y creaciones de moda. Con solo 14 años de existencia (del 1919 a 1933), la Bauhaus no ha dejado de reproducirse.

La Herencia de la Bauhaus

Los muebles, como la famosa silla de Wassily, se impregnaban de códigos vanguardistas de la época, del expresionismo al arte popular. Los objetos, como la lámpara Wagenfeld concebida por Wilhelm Wagenfeld o la tetera de plata de Marianne Brandt, juntaban técnica y estética con la meta de construir un mejor entorno cotidiano para el ser humano.

Las pinturas de Paul Klee y Vassily Kandinsky defendían un “arte clásico moderno”, colorido y total, evocando el “constructivismo”. Para Olivier Gabet, director del museo parisino y comisariado de la exposición “L’Esprit du Bauhaus”, “la idea de Walter Gropius –el fundador de la escuela alemana de la Bauhaus-era que las prácticas artísticas se mezclen”.

« No confundir arte y gusto »

El historiador de arte francés, Eric de Chassey, originario de Tours, ha publicado recientemente un largo estudio sobre el arte abstracto y su influencia en el diseño contemporáneo. En su libro, el autor parece querer aclarar este “arte abstracto desordenado”, regido por los artistas cubistas del Dadaísmo y de la Bauhaus y ofrece reflexiones para evitar confundir arte y gusto.

Experimentación de la forma y de los colores

La Bauhaus, el « arte desestructurado » que sigue gustando a la moda

En la moda, numerosas marcas han utilizado la Bauhaus con sus líneas depuradas y funcionales, sus cortes geométricos y sus bloques de colores. Entre ellas se encuentran Jil Sander, Ralph Lauren, Hermès, Robert Clergerie, Sportmax, Michael Kors, Issey Miyake, Chanel, Longchamps, Marni, Essentiel, Paule Ka, Fendi o Pierre Hardy.

Y aunque todavía quedan piezas (objetos y otros) de la época, la productividad era limitada por culpa de la corta vida de la escuela “literalmente destruida por la Gestapo en 1932”, indicó Gabet al periódico belga La Libre. Los diseñadores de moda siempre han sido fieles seguidores de la Bauhaus, experimentando sus formas y colores en sus colecciones.

Rick Owens, Otoño/Invierno 2017-18

La Bauhaus, el « arte desestructurado » que sigue gustando a la moda

Rick Owens ha presentado en París su última colección Otoño/Invierno 2017-18: verdadera oda a la arquitectura y a la experimentación de la Bauhaus alemana. Pantalones largos y flotantes, largos plumíferos de colores, acolchados extras puestos en la parte alta del busto y unos looks muy desestructurados cogen una nueva dimensión.

La Bauhaus, el « arte desestructurado » que sigue gustando a la moda

La puesta en escena del desfile recuerda al teatro. Como lo había dirigido en la escuela en la época Oskar Schlemmer. Los cuerpos femeninos están cubiertos por piezas que parecen protegerles. ¿De qué? Del frio y de todas las amenazas mecanicistas del siglo XXI.

https://vimeo.com/206572616

Louis Vuitton también coge elementos bauhausianos en su colección Primavera/Verano 2017, con una camiseta de espíritu Bauhaus dibujada por Stuart Tyson y con un precio de 385 euros.

La Bauhaus, el « arte desestructurado » que sigue gustando a la moda

Üterque elige un diseño Mid-Century y Bauhaus

Otro ejemplo reciente de la Bauhaus en la moda, la cadena de ropa y accesorios üterque ha adoptado el estilo en una de sus tiendas. La firma del grupo Inditex ha abierto a finales de abril un flagship store en Barcelona en el emblemático Paseo de Gracià.

La Bauhaus, el « arte desestructurado » que sigue gustando a la moda

La decoración interior se basa en el movimiento americano Mid-Century, que surgió en los años 50 e incorpora referencias de la Bauhaus. El ambiente es minimalista de color blanco, paredes y techos suspendidos para aligerar la tienda. El escultor peruano, Aldo Chaparro, ha participado en la decoración con la transformación de materiales prefabricados, como en el tiempo de la Bauhaus. Y para no perder sus raíces españolas, Üterque eligió una iluminación eco-eficiente que recrea la luz del Mediterráneo.

Fotos : Lámpara de Wagenfeld (pinterest), Desfile de Issey Miyake 1995, Desfile de Rick Owens FW 2017/18, T-shirt Vuitton (sitio web Louis Vuitton), Üterque (cortesía Inditex).

El Met de NY celebra la moda conceptual de "Comme des Garçons"

Protuberancias, armaduras, asimetría: la moda revolucionaria y conceptual de la japonesa Rei Kawakubo, fundadora de "Comme des Garçons", se exhibe en el Museo Metropolitano de Nueva York, que rinde homenaje a su casi medio siglo de trabajo.

Al reunir cerca de 140 piezas para su exposición "Art of the In-Between" (El arte de lo intermedio), el Met busca dar una idea de este universo único sobre el cual Kawakubo dijo un día: "para que algo sea bello, no es necesario que sea lindo". Desde 1969, esta mujer grácil de cerquillo severo rechaza "los valores establecidos, las convenciones y lo que es generalmente aceptado como la norma", según las notas de la exposición del Met.

El Met de NY celebra la moda conceptual de "Comme des Garçons"

El mundo de "Comme des Garçons" es el de la asimetría, del desequilibrio, de la omnipresencia de la forma, donde la vestimenta acapara toda la mirada. Armaduras, trenzas, flecos, moños, nudos, bucles, paños, pliegues; Rei Kawakubo utiliza múltiples recursos para transformar la apariencia de la mujer, a veces alejándose mucho de los cánones de la moda. Para Thomas Campbell, el director del Met, "sus creaciones se asemejan muchas veces a esculturas".

Mujer de pocas palabras, casi inaccesible a la prensa, la modista de 74 años no se expresa casi nunca en público y se niega a analizar sus creaciones, reivindicando "la ausencia de intención". Presente el lunes en el preestreno de la exposición que se abre al público este jueves y culmina el 4 de septiembre, prefirió no hablar con los periodistas.

El Met de NY celebra la moda conceptual de "Comme des Garçons"

Espíritu punk

Bajo el liderazgo del conservador Andrew Bolton, el Costume Institute, espacio de moda del Met, eligió no obstante esta línea directriz del intermedio, que corresponde a la voluntad de Kawakubo de encontrar un espacio entre las definiciones, alejado de las convenciones, para escaparse.

"Vestimentas/No vestimentas", "Abstracción/Representación", "Vida/Pérdida" son algunos de los títulos de las nueve secciones articuladas en torno al tema del intermedio. Para ilustrar el intermedio "Diseño/No diseño", el curador retuvo por ejemplo una combinación de formas reforzadas que podría recordar a un luchador de sumo, en un material que aparenta ser un papel marrón de bricolaje. Para "Ausencias/Presencias", son vestidos rojos que parecen fajar un cuerpo irreconocible, cuyas excrecencias producen un perturbador efecto de deformidad.

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Rei Kawakubo confunde las pistas, borra los puntos de referencia hasta proponer otra realidad, una visión alternativa que se aleja de aquella, objetiva, del cuerpo de la mujer. "Temporada tras temporada, colección tras colección, Kawakubo cambia nuestra mirada actualizando la noción de belleza", estimó Andrew Bolton en la presentación de la exposición. Su primer desfile en París, en 1981, contrapié radical al glamur tan presente en la época, tuvo una acogida muy crítica.

En una entrevista con la revista "System", Kawakubo dijo adorar "el espíritu punk" porque "está a contracorriente", y la diseñadora consideró entonces que la palabra nacida en los años 70 podía aplicarse a todas sus colecciones. Para que la atención se dirija únicamente a las vestimentas, el Met eligió una decoración toda en blanco, con paredes redondeadas que a veces esconden, a veces revelan. Otra originalidad: algunas piezas fueron colocadas en altura, y solo pueden observarse levantando la cabeza.

En más de 70 años de vida, el Costume Institute solo consagró otra vez una exposición a un diseñador en vida: Yves Saint-Laurent en 1983. "Para mí, no había ninguna duda de que la moda de Rei tenía su lugar en un museo de arte", explicó Bolton. La obra de Kawakubo "torna superfluo el debate sobre la separación entre el arte y la moda", concluyó. (AFP)

Fotos: FashionUnited