De Nueva York a Amberes, la diseñadora de moda Kié Lee: “La soledad me permite concentrarme”

La diseñadora Kié Lee, nacida en Basilea, fundó su marca Kié Einzelgänger en 2016 en Nueva York y la trasladó a Amberes tres años después. Ahora se siente como en casa entre las esferas de influencia de Raf Simons, Ann Demeulemeester y Jurgi Persoons. Su trabajo también tiene algo de esa firma belga.

Lee, que ya ha pasado la treintena, extrae su fuerza creativa de la soledad. Esto se puede apreciar en el abundante uso del negro en su obra y en las siluetas rotundas que asumen el protagonismo. Este lenguaje visual le ha valido una colaboración continua con Yohji Yamamoto para su submarca vanguardista Wildside, desde 2022.

En el festival de moda de Amberes, que comienza el 4 de junio, Lee presentará una instalación artística titulada “Evidence”: serigrafías sobre camisas y tejidos de seda, con autorretratos como motivo.

¿Fue Amberes una conexión inmediata? ¿La energía es diferente a la de Nueva York?

"Nueva York es una ciudad increíble. Todavía la echo de menos, pero dirigir un estudio allí es difícil. El alquiler desorbitado por tan poco espacio, simplemente no funciona. Como diseñador, necesitas techos altos y suelos amplios para poder verlo todo de un vistazo. Empecé a plantearme mi marcha.

En ese momento también estaba pasando por una quiebra. Tenía 23 años cuando empecé una empresa en Nueva York. La moda es una inversión enorme, así que es evidente cómo acabó todo.

El nuevo comienzo en Amberes fue bueno desde el principio. Llegué con dos maletas. La ciudad se convirtió en un hogar seguro y creativo para mí. Aquí me siento sola, y eso me permite concentrarme. La gente es amable. Como hija del siglo XXI, puedo mantenerme conectada internacionalmente. Creo que me quedaré aquí."

Mencionas la soledad como algo constructivo.

"Para mí, la soledad no significa tristeza. Nací en Suiza, fui a Corea, a Nueva York... he vivido muchas cosas. Al principio fue difícil, pero esa etapa ya pasó. Ahora necesito la soledad. Me siento incómoda si no tengo ese tiempo para mí."

En los primeros años de tu marca, viajaste mucho a Japón.

"Desde hace mucho tiempo admiro a los diseñadores japoneses de los años ochenta y noventa. Eso es también lo que me llevó a Japón cuando tenía veinte años: quería saber de dónde venían esas piezas tan buenas, quién las hacía. Tuve la suerte de poder trabajar directamente con proveedores de tejidos. La calidad que producen es inigualable, especialmente los tintes: las gamas de colores son diferentes.

El wholesale significa que, como diseñador, tienes que esperar seis meses para que te paguen. Hay buenas fábricas en Nueva York, pero sobrevivir allí es difícil: las cantidades mínimas de pedido son poco realistas y nunca sabes si cumplirán un plazo o si tendrás que cancelarlo todo. Necesitaba a alguien en quien poder confiar.

Ahora, he construido relaciones durante casi nueve años con socios de producción y compra en Japón. He seguido con ellos porque mi público proviene de esa misma época (los 80 y 90, nota del editor), conocen esa calidad y también la esperan de mí. Incluso después de la importación, los precios siguen siendo sorprendentemente accesibles. Realmente no hay razón para dejarlo. Pero a medida que la marca crezca, también tendré que diversificar con socios de sourcing en Europa.

He aprendido mucho de la forma en que trabajan los japoneses: tan disciplinados, tan precisos. Realmente se involucran en mi futuro como diseñadora. Sin falsas promesas."

¿Cómo fue colaborar con Yohji Yamamoto?

"Tenía 23 años cuando nos conocimos. Fue un gesto muy generoso por parte de una marca tan consolidada dar esa oportunidad a una joven diseñadora. Solo por esa actitud, aprendí muchísimo. Estaba en Nueva York, llevando su ropa, cuando un miembro del equipo se fijó en mí. Me presentaron al director y me preguntó si alguna vez iba al desfile de París. Yo estaba en Parsons, muy ocupada estudiando, pero decidí ir. Me gasté 3,000 dólares y el primer día un carterista me robó el pasaporte. Pero bueno, tenía que ir.

La unidad dentro del equipo de Yamamoto tenía algo espiritual: todos se movían hacia el mismo objetivo. Eso me inspiró, porque hay mucha emoción detrás de este tipo de trabajo, y ellos se aseguraban de que el trabajo se hiciera."

Ya estás trabajando en Wild Side Volume 5. ¿Cómo es el proceso creativo?

"Con este proyecto, Yamamoto quiere reunir a marcas y artistas emergentes y consolidados. Nos reunimos en París, en Japón. El proceso es largo. Envío patrones, tejidos y prototipos de un lado a otro. Nos comunicamos principalmente por correo electrónico.

El trabajo se ha vuelto más exigente con los años; la industria se mueve más rápido. No tengo vacaciones. Ya no recuerdo la última vez que me relajé de verdad. Pero soy feliz."

En 2022, obtuviste un máster en Bellas Artes en la Real Academia de Bellas Artes, bastante tarde en tu carrera.

"Empecé con el arte porque estaba creativamente estancada. La fotografía es mi segunda pasión. Mi mentor me recomendó una Nikon ZF-C. Desde entonces, hago un autorretrato casi cada semana. Luego empecé a imprimirlos en la ropa. Eso es todo un arte. El año pasado tuve que ir a Japón para entender cómo funciona: lo sensible que es el material al calor, cómo se lava. Gracias a las bellas artes, pude seguir creciendo."

¿Qué vas a mostrar en el festival de moda de Amberes?

"En el festival se podrán ver mis serigrafías originales y prendas con la misma fotografía en la galería de arte contemporáneo de Tommy Simoens. Él también es de Nueva York, así que cuando nos conocimos el año pasado, conectamos al instante.

Mi primera serie de estampados es de 2023. He estado desarrollando esta técnica durante dos años. Colaboré con un artista japonés de 63 años, un artesano extraordinario. Le di mi serie de autorretratos, él los retocó y luego los serigrafié. También teñí el papel para que pareciera un artefacto del período Showa, de los años veinte a los cuarenta, que es mi gran obsesión."

Ya has pasado la treintena. ¿Qué has aprendido sobre tu oficio y tu profesión?

"He aprendido lo importante que es tener gente a tu alrededor que te desafíe, ya sea que te hagan enfadar, te hieran, te pongan triste o te hagan dudar de ti misma. Es la única manera de mantener el hambre por el siguiente paso. Por eso, me he rodeado conscientemente de gente a la que admiro.

Más tarde me di cuenta de lo crucial que es la eficiencia. No todo el mundo puede mantener este tipo de vida disciplinada y creativa. Por eso ideé lo que llamo mi sistema de porciones de tarta, como una forma de sobrevivir.

Divido mi día en porciones: empiezo con los asuntos más realistas (cifras, finanzas, resultados). Primero, afrontar la realidad. Después, practico habilidades: idiomas, nuevas técnicas, algo para seguir aprendiendo. Y al final de ese ciclo, me permito la libertad de lo imposible: hacer brainstorming, tener ideas creativas que no son realistas.

Planifico mi tarta mientras hago deporte. Me levanto todos los días a las cuatro o las cinco, me pongo en movimiento de inmediato y entonces decido lo que voy a hacer ese día. También me acuesto temprano."

¿Por qué es tan importante para ti afrontar la realidad?

"La moda no es arte, es economía; tenemos que venderla. En los años ochenta creo que era diferente. Tenía algo espiritual. Creo que el arte y la moda pueden ir de la mano, pero debemos aceptar que el lujo y el arte también son un negocio. De lo contrario, se distancian el uno del otro."

Dada la enorme presión que existe hoy en día en la profesión, ¿sigue siendo suficiente una formación en moda?

"Estudié en Parsons, en Nueva York, para mi grado en moda. Una formación excelente: te enseñan a elaborar un currículum, a encontrar un trabajo. Pero vi entrevistas con estudiantes de moda europeos que sabían hablar muy bien de sí mismos. De forma más reflexiva, con más fundamento; eso era algo que yo también quería experimentar. Por eso fui a la academia. Durante tres años, aprendí sobre surrealismo y dadaísmo, que era mi especialidad. Aprendí a hablar de mí misma, y eso es increíblemente importante."

¿Cómo sigues formándote?

"Quiero profundizar en la investigación en la que me centré anteriormente. Mañana voy a hacer serigrafía; para mí, eso es como un doctorado. Aprendo nuevas técnicas, creo cosas nuevas y puedo compartir los resultados inmediatamente con mi público a través de Instagram. Esa es mi forma de aprender en este momento. Más adelante, porque estoy segura de que en algún momento volveré a estancarme, consideraré hacer un doctorado de verdad."