Los diseñadores emergentes del DiscoveryLab llevan el foco de la crítica social a la moda durante la LFW

Siguiendo con el formato digital, el DiscoveryLab de la London Fashion Week volvió a la programación para presentar a 15 diseñadores emergentes listos para ser descubiertos.

Los seleccionados por el Consejo Británico de la Moda (British Fashion Council) no cumplían aún los requisitos para formar parte de la programación principal de la LFW, por lo que se ajustaron a los criterios establecidos específicamente para el DiscoveryLab. Los escogidos, evaluados por un grupo de expertos de la industria, sólo se han concentrado en la categoría de prêt-à-porter durante al menos tres años y proceden de una variedad de industrias creativas.

Cada diseñador tuvo la oportunidad de presentar sus colecciones en un entorno digital a través de la plataforma en línea de la LFW, presentando vídeos que resumían los conceptos de sus colecciones y las historias que querían representar con ellos.

Este año destacaron cuatro temas concretos de las colecciones, que trataban desde los movimientos sociales hasta el desarrollo de las identidades virtuales.

Historias culturales y preocupaciones sociales

Las colecciones inspiradas en las herencias culturales fueron sin duda uno de los temas más destacados del DiscoveryLab de esta temporada. Los jóvenes diseñadores sacaron a la luz elementos procedentes de vivencias personales que desempeñaron un papel importante en la historia de sus colecciones. Strong Theveethivarak, diseñador tailandés asentado en Londres, por ejemplo, se inspiró en las formas tradicionales de su lugar de origen, combinando la cultura espiritual de Tailandia con experiencias personales vinculadas a su propio nombre, lo que dio lugar a lo que describió como una "sensibilidad de diseño inspirada en la discapacidad física".

Abigail Ajobi y Anciela, por su parte, se centraron más en la belleza del patrimonio cultural y las historias de los migrantes en sus colecciones, con esta última directamente inspirada en la fiesta de las flores de su país nativo de Colombia y la historia del "Silletero". La colección se centró en la belleza que hay detrás de ser un emigrante, mostrada en una película digital que contaba con actuaciones de bailarines latino-británicos. La colección de Ajobi también se acercó a una celebración de la identidad cultural, con una película que contaba la historia de amor de los padres del diseñador en Nigeria. Los estampados fueron la marca definitoria de Ajobi, que presentó dos patrones para profundizar en la historia: uno de una carta de amor escrita por su padre y otro con billetes diseñados para representar a los hombres negros y la riqueza. Cada impresión se venderá como un token no fungible (NFT).

Saskia también exploró su identidad transnacional en una colección que surgió de un estilo de vida transcultural y una mirada profunda a las implicaciones políticas que conlleva. A través de tejidos militares reutilizados y técnicas de reciclaje, Saskia contó la historia de los resultados positivos que surgen de los desplazamientos ancestrales negativos. Una anécdota similar se abordó en la colección de la marca india Margn. La marca, fundada en 2020, hizo hincapié en el viaje de los inmigrantes, con el objetivo de suscitar una conversación en torno a las fronteras y las divisiones. El mensaje se retrató a través de tejidos estructurados simbólicamente, siluetas inconformistas y tuberías de agua recicladas, diseñadas para representar "la interconexión" entre la sociedad.

Percepción y experimentación

Los diseñadores Je cai y Sól Hansdóttir ofrecieron una visión más experimental de la moda en su desfile FW22. A través de formulaciones sistemáticas y una fusión de conformidad e individualidad, Je cai presentó una colección que pretendía fomentar el diálogo entre el diseñador y el usuario. Las piezas intercambiables permitían al usuario formar su propia expresión, creando un enfoque sostenible de la moda atemporal.

Sól Hansdóttir, recién licenciada en Central Saint Martins, también ha introducido la experimentación en sus diseños, además de considerar el desarrollo sostenible, que se manifiesta en su elección de la fabricación local y en la deconstrucción de las prendas de segunda mano. En última instancia, Hansdóttir quería poner a prueba la percepción de la realidad, manipulando las prendas para convertirlas en algo totalmente diferente.

Mujer y feminidad

El tema de la feminidad se puso en manifiesto a través de un conjunto de colecciones presentadas en el escaparate de esta edición, especialmente por Dreaming Eli by Elisa. La marca, que se encuentra en su segunda temporada en DiscoveryLab, se inspiró en los estereotipos que suelen restringir la mente de los cuerpos de las mujeres. Retorciendo las percepciones, la marca tomó elementos de las bailarinas de Degas y de la corsetería victoriana y los presentó, más bien, a través de la mirada femenina. En la presentación de la colección, la diseñadora dijo: "Esta colección es mi experiencia de lo que significa ser mujer".

Ester Kubisz fue otra diseñadora que cuestionó la conformidad de género a través de una colección. Los diseños de trajes característicos de Kubisz se reestructuraron para formar un comentario sobre el masoquismo, las relaciones y los contrastes. Aunque la diseñadora siciliana Florentina Leitner hizo más hincapié en las prácticas sostenibles, su colección seguía jugando con el tema de la feminidad. Leitner, que anteriormente diseñó para Dries Van Noten, dio mucha importancia a la conciencia ecológica, presentando una colección hecha parcialmente con bolsas de basura y tapones de botellas reciclados. Los atrevidos adornos buscaban fomentar una producción mejorada para el futuro, al tiempo que se mantenían fieles a sus siluetas características.

Futurismo e identidades virtuales

Naturalmente, el mundo digital tuvo un papel destacado entre los diseñadores seleccionados, especialmente evidente en la presentación de Christoph Ritter Studio. El diseñador austriaco exploró los temas del futurismo y la autoidealización virtual, creando una colección diseñada para los jóvenes fiesteros con conciencia ecológica. Las prendas básicas de licra, como los trajes moldeadores y los catsuits, cada una de ellas derivada de plástico reciclado, se crearon para potenciar la autoexpresión, con piezas clave que se venderán como NFT y prendas que se pueden llevar digitalmente a través de la plataforma de creación digital Rally.

La marca de joyería Ex-A Studio también optó por la visualización virtual en 3D, con una presentación digital envolvente para mostrar la primera línea de accesorios de la casa. La colección, de género neutro, se creó en el mundo virtual utilizando técnicas de renderización únicas, como parte de la forma en que el diseñador expresa la importancia que debe darse a la tecnología en todos los aspectos del diseño.

Este artículo fue originalmente publicado en FashionUnited.UK, y traducido y editado al español por Veerle Versteeg.