Tolu Cocker y las dificultades de ser una diseñadora emergente
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Uno de los talentos emergentes más destacados de la última edición de la Semana de la Moda de Londres es Tolu Coker, una diseñadora británica-nigeriana, nacida en el oeste de Londres, que además es artista multidisciplinaria y forma parte del programa NewGen del Consejo Británico de la Moda.
Coker, graduada de Central Saint Martins, adquirió experiencia en los estudios de diseño de J.W. Anderson, Maison Margiela y Celine antes de lanzar su marca homónima en 2018. La Semana de la Moda de Londres no le es ajena, ya que debutó en la temporada FW19 como ganadora del Fashion Scout Merit Award, un galardón que ha impulsado las carreras de diseñadores como Eudon Choi, Phoebe English y David Koma.
Su trabajo tiene una sensibilidad vintage y alegre, que celebra su herencia y su enfoque sostenible del diseño, utilizando materiales reciclados y recuperados. Su colección SS25 continuó en esa línea.
Para la presentación de su colección SS25, ‘Olapeju’, Coker invitó a los asistentes a formar parte de un mundo construido sobre recuerdos personales y colectivos, transformando el espacio del desfile en una sala de estar británico-nigeriana, rindiendo homenaje a la fotografía de su difunto padre, Kayode Coker. Decoró las paredes con proyecciones de papel tapiz inspirado en los años 60 complementados por muebles de mediados de siglo como asientos, para una experiencia inmersiva en la intimidad del hogar familiar.
FashionUnited conversó con Coker para conocer más sobre su propuesta, cómo diseña con la sostenibilidad en mente, los problemas que enfrentan los jóvenes diseñadores y sus consejos para los aspirantes a diseñadores de moda que comienzan en la industria.
¿Cómo describirías la estética de tu marca?
Es refinada, hecha a medida, elegante y sofisticada.
¿Cuál fue el punto de partida y la inspiración para la última colección SS2025?
Estuve explorando la inmigración de finales de los años ´60 y principios de los ´70, y los archivos fotográficos de mi difunto padre, que fueron una referencia real para mí. Él documentó la migración de los nigerianos a Inglaterra, las comunidades que formaron y las contribuciones significativas que hicieron aquí, en el Reino Unido. Utilicé esas imágenes para reunir sus historias, pero viéndolas a través del lente de la matriarca.
Mi familia tiene una larga historia en los barrios de North Kensington, las áreas de Ladbroke Grove y Portobello en Londres. En ese momento, eran como barrios marginales, había una gran crisis de arrendadores y una mezcla de comunidades irlandesas, caribeñas, negras, portuguesas y argelinas, algo que aún se ve hoy en esa zona.
Creo que es una comunidad muy especial. Quería explorar la noción de la riqueza, las ideas de lujo y lo que eso significa, con el lujo arraigado en la herencia y lo que eso podría significar para las comunidades que surgieron a través de la inmigración. Esta idea de la riqueza no siendo de valor monetario, sino el valor de la comunidad, el valor de la cultura y la preservación cultural, que creo fue muy prevalente en ese momento.
¿Cómo se combina tu herencia cultural con los diseños contemporáneos?
No creo que sea algo que se haga de manera intencionada, creo que es más bien parte del subconsciente. Cuando diseñas desde un espacio personal, lo haces con todas las influencias culturales, sociales, espirituales y ambientales que te moldean como persona. Creo que gran parte de mi herencia cultural es inherentemente parte de la mirada y la perspectiva con la que diseño la ropa. Paso mucho tiempo hablando con personas e investigando antes de comenzar a desarrollar el diseño. Es un proceso de descubrimiento y de aprender una historia para poder contarla.
¿Cómo implementas la sostenibilidad en tus diseños?
No se trata solo de los diseños, es más bien una forma de trabajar. Está en la manera en la que obtenemos las materias primas, el tipo de materiales que estamos buscando y lo que estamos utilizando, así como en pensar en la longevidad de lo que estamos diseñando, reforzando las prendas, considerando acabados que permitan que estas prendas duren mucho tiempo y puedan circular, todo desde el proceso de diseño.
También se trata de diseñar piezas que se puedan usar a lo largo de varias temporadas, que sean esenciales para el guardarropa, que se puedan vestir de manera formal o informal, que se puedan superponer y usar de muchas formas. Creo que eso es increíblemente importante para construir estos guardarropas esenciales, que las personas les saquen mucho provecho a sus prendas y también sientan una conexión con ellas. Eso es muy significativo para mí.
Para muchos de mis diseños considero el uso de retazos de otras prendas o patrones para incorporarlos en nuevas piezas, lo que significa que estamos maximizando el uso de cualquier cosa que estemos utilizando para producción o muestreo.
¿Cómo ha ayudado la iniciativa NewGen a tu marca?
NewGen ha sido muy importante para la amplificación y la visibilidad. La Semana de la Moda de Londres es un gran escenario, un escenario global, y llama mucho la atención. Es muy significativo formar parte de este programa para obtener esa visibilidad como marca. Es algo esencial. Más allá de eso, el acompañamiento y la mentoría que vienen con el programa son invaluables para mí. Igualmente, mis compañeros. Aprendo mucho de otros diseñadores dentro de mi grupo. Es muy importante sentir que formas parte de una comunidad y saber que no estás solo en esto, tratando de lograrlo.
¿Crees que la industria de la moda está haciendo lo suficiente para apoyar a talentos emergentes como tú? ¿Qué más podrían hacer?
Se podría hacer mucho más, pero soy optimista con respecto a la industria. Creo que hay mucha consideración cuando se crean programas para diseñadores jóvenes. Es realmente importante que la industria reevalúe dónde estamos y cuáles son las necesidades reales de los diseñadores. Entre las cuestiones principales que siempre escucho de los diseñadores jóvenes, en general, está el tema del financiamiento.
Estamos en los mismos calendarios que los grandes gigantes de la moda, y es realmente difícil mantenerse al día con eso. No tenemos presupuestos de marketing millonarios, y tenemos que ser increíblemente ingeniosos con los pocos recursos que tenemos, especialmente cuando el mercado puede ser muy inestable. Hemos visto lo que ha pasado con el mercado mayorista y el cierre de grandes minoristas electrónicos, y cómo eso ha afectado a todos.
Sería importante que se considere lo que los diseñadores jóvenes necesitan, y eso es más financiamiento, y también la realidad del ritmo al que podemos trabajar. No tenemos grandes equipos o departamentos que puedan producir varias colecciones al año, y creo que eso es altamente insostenible, especialmente si la industria dice que está trabajando hacia la sostenibilidad. Eso es algo que me encantaría ver cambiar, y creo que hay un enorme margen de mejora en ese aspecto.
¿Qué viene para tu marca?
Seguir adelante, obviamente. Para mí, se trata de pensar en una escalabilidad sostenible, en cómo podemos tener más presencia, pero también más impacto. Tomarlo día a día, crecer y tener más visibilidad y más impacto de la manera más sostenible posible.
¿Cuáles son los mayores desafíos que enfrenta tu negocio?
¡El financiamiento! Creo que eso lo sostiene todo. Mucha gente no sabe que cuento con un equipo increíblemente pequeño, la mayor parte del tiempo estoy solo yo en el estudio. Tengo un equipo que trabaja en prensa y otras funciones comerciales, pero en cuanto al diseño y el día a día en el estudio, queda todo en mis manos.
Para mí, uno de los mayores desafíos es el financiamiento y la carga de trabajo. Siempre estás tratando de gestionarlo, y siempre tratando de mantener la consistencia. Es mucho trabajo y es constante. Nunca nos detenemos realmente. Nunca tenemos un descanso real. Nuestras temporadas siempre están en temporada. Si no es preparándonos para el desfile, es preparándonos para la venta o gestionando la producción. Es un trabajo de 365 días al año.
¿Cuál sería tu consejo para un estudiante de diseño de moda que recién comienza?
Adquiere nuevas habilidades: ofrece tu ayuda a otras personas para que puedas aprender. Creo que hoy en día, mucha gente tiene la percepción de que puedes convertirte en una superestrella global del diseño de moda de la noche a la mañana, pero creo que las cosas buenas simplemente toman tiempo. No estoy diciendo que no puedas tener un proceso rápido. El objetivo es que, con cada generación, las cosas se vuelvan más fáciles. Pero no creo que las habilidades deban perderse por eso. Es importante convertirse en un maestro de tu oficio, y solo puedes lograrlo continuando. Creo que la graduación es solo el comienzo del proceso, no es el final. Es tu primer paso en la industria, y es tu oportunidad para aprender cómo funcionan las cosas a nivel industrial, porque creo que hay una gran disparidad entre cómo lo perciben los estudiantes en la universidad y las realidades del sector.
También es importante aprender el lado empresarial de la moda, eso es algo que muchos pasan por alto al salir de la universidad. Muchas universidades están formando directores creativos, pero no necesariamente personas con habilidades comerciales. Es importante seguir adquiriendo nuevas habilidades y mantener siempre una mentalidad de aprendiz. Una de las mejores formas de hacerlo es intentar obtener la mayor cantidad de experiencia posible y reconocer que puede que no sea el trabajo más glamoroso o mejor remunerado, pero piensa en el valor que puedes obtener de ello para perfeccionar tu oficio, ¡porque la mejor manera de cometer errores es con el presupuesto de otra persona!
Este artículo fue publicado originalmente en http://FashionUnited.UK , y posteriormente traducido del inglés al español por Cynthia Ijelman usando una herramienta de inteligencia artificial.
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